Познань, Легница, Гливице, Жешув, Гданьск, Лодзь, Варшава, Краков… — спектакли из этих и многих других городов можно увидеть в числе лучших постановок сезона 2018-2019 в списке, составленном театральными критиками, представителями разных СМИ, в ежегодном опросе одного из самых уважаемых театральных изданий в Польше – журнале «Театр». Децентрализация польского театра – одна из черт, перешедшая в XXI век из эпохи легендарных режиссеров и спектаклей польской сцены 1960–1970-х гг. Также продолжается давняя традиция тесного сотрудничества с театрами и постановщиками других стран. Таким образом, польский театр вписывается в общемировой культурный контекст с его темами, вопросами, проблемами, не забывая при этом о собственных.

Появление новых имен талантливых художников на театральной карте Польши вновь становится чем-то вроде нормы. Времена театрального упадка 1990-х годов, началом которого условно можно считать смерть Тадеуша Кантора в 1990-м, прошли. Смена эпох, государственного строя привели к тому, что старшее поколение творческих людей, привыкшее к тому, что театр в Польше политизирован, что он является проводником к свободе слова массы людей, потеряло чувство современности и актуальности, не могло уже оказывать столь сильного влияния на формирование общественного мнения, когда от их действий, художественных акций зависело принятие решений на государственном уровне, когда их поддержка была действительно значима и имела ценность. Представители молодого поколения, начавшие приходить в театр в 1990-е гг., в сегодняшних интервью вспоминают, что, кроме американских фильмов, им смотреть было нечего, надо было самостоятельно осознавать происходящее вокруг. Их образцом в мире театра стал немецкий провокатор Франк Кастроф. Человеком, кто связал театральные поколения Польши, начал свою карьеру в середине 1970-х гг. и до сих пор ставит произведения, которые становятся интеллектуальными, философскими высказываниями, масштабными картинами мира, является Кристиан Люпа, привезший очередной пятичасовой шедевр «Процесс» (2017, ТР Варшава) в 2019 году на Театральную олимпиаду в Россию, на сцену Александринского театра. В спектаклях мастера в свое время ассистентами работали режиссеры, которых в театральной среде прозвали поколением «отцеубийц». Сегодня это авторитетные деятели искусства, не только ведущие активную деятельность постановщиков в Польше и за ее пределами, но и руководящие ведущими театрами страны: Кшиштоф Варликовский, Гжегож Яжина и Ян Клята.

Появление новых имен талантливых художников на театральной карте Польши вновь становится чем-то вроде нормы. Времена театрального упадка 1990-х годов, началом которого условно можно считать смерть Тадеуша Кантора в 1990-м, прошли. Смена эпох, государственного строя привели к тому, что старшее поколение творческих людей, привыкшее к тому, что театр в Польше политизирован, что он является проводником к свободе слова массы людей, потеряло чувство современности и актуальности, не могло уже оказывать столь сильного влияния на формирование общественного мнения, когда от их действий, художественных акций зависело принятие решений на государственном уровне, когда их поддержка была действительно значима и имела ценность. Представители молодого поколения, начавшие приходить в театр в 1990-е гг., в сегодняшних интервью вспоминают, что, кроме американских фильмов, им смотреть было нечего, надо было самостоятельно осознавать происходящее вокруг. Их образцом в мире театра стал немецкий провокатор Франк Кастроф. Человеком, кто связал театральные поколения Польши, начал свою карьеру в середине 1970-х гг. и до сих пор ставит произведения, которые становятся интеллектуальными, философскими высказываниями, масштабными картинами мира, является Кристиан Люпа, привезший очередной пятичасовой шедевр «Процесс» (2017, ТР Варшава) в 2019 году на Театральную олимпиаду в Россию, на сцену Александринского театра. В спектаклях мастера в свое время ассистентами работали режиссеры, которых в театральной среде прозвали поколением «отцеубийц». Сегодня это авторитетные деятели искусства, не только ведущие активную деятельность постановщиков в Польше и за ее пределами, но и руководящие ведущими театрами страны: Кшиштоф Варликовский, Гжегож Яжина и Ян Клята.

В своих постановках Кшиштоф Варликовский является верным исследователем темных сторон души шекспировских героев. Он умело переплетает их сюжетные линии с событиями героев античных произведений и добавляет во все это истории из современной литературы и сегодняшней реальной жизни. Его работы напоминают мозаику, которая на глазах зрителя начитает складываться из каких-то эмоциональных, ярких, часто шокирующих кусков в понимание проблем, вопросов, которые не могут не задавать себе все думающие и чувствующие люди. Варликовский создает натуралистические метафоры, приправленные интеллектуальной игрой слов и смыслов и обрушивает их через героев своих полотен на зрителей, сначала вызывая чувство омерзения или страха, порой жалости к актерам за то, что они в этом вынуждены принимать участие, а потом осознание того, зачем они все-таки это делают.

Судья из «Африканских сказок Шекспира» (2011, театр Новы, Варшава), одна из частей которого была создана на основе «Венецианского купца», вернувшись домой после рабочего дня, достал пачку свежего полукилограммового фарша и медленно, с нежеланием, с рвотными позывами съел перемолотое мясо. Так судебная система поступает с теми людьми, кто попадает в поле ее зрения. Герой в исполнении Мачея Штура из уже ставшего легендарным спектакля «(А)поллония» (2009, театр Новы, Варшава) во время пронзительного монолога о событиях Второй мировой войны, обращенного к зрителям, о том, почему все молчали, когда убивали людей, ведь на их месте мог оказаться любой из присутствующих или их близкий, доставал пистолет и начинал выбирать из немного освещенного зала жертву. Чувство стыда за то, что и сегодня часто делаем вид, что не замечаем, что происходит вокруг и молчим, сменяется настоящим чувством страха, когда дуло пистолета обезумевшего человека начинает приближаться к тебе. В какой-то момент перестаешь осознавать, что это игра и театр, когда видишь направленное на тебя оружие. А вдруг правда заряжен? – стучит в висках. Когда актер продолжает поиск жертвы, понимаешь, что даже приблизительно не знаешь, на что бы смог пойти сам из чувства страха за себя или своих близких, оказавшись в тех нечеловеческих условиях военного времени.

Пятичасовые спектакли Варликовского работают, как отлаженный механизм, без сбоев. В них продумана каждая деталь, и, несмотря на использование видеоинсталляций, полиэкранов, сложных конструкций декораций, актер и его мастерство остаются главными. Когда на сцене в спектакле «Конец» (2010, театр Новы, Варшава) появляется обнаженная семидесятилетняя звезда вайдовских картин Станислава Целиньская, с опухшим от болезней телом, прикуривает сигарету, пускает кольца дыма и начинает соблазнительно пластично двигаться в такт музыке, делая это с таким азартом, легкостью и уверенностью в себе, что видишь не оболочку старого человека, а молодую девчонку, живущую внутри нее, и умеющую ловить каждый момент жизни и ценить его.

Варликовский руководит театром Новы с 2008 года, с момента его основания. На афише театра появляются названия его новых постановок. В 2015 году вышел спектакль «Французы» о проблемах современной Европы. Началом размышлений Варликовского на эту тему послужил монументальный роман Марселя Пруста «В поисках утраченного времени». Режиссер призывал писателя обсудить с ним волнующие его вопросы. Сам Варликовский говорил о том, что публика не поняла, что он хотел донести до них в этом спектакле. Следующая поставка «Выезжаем» (2018) Варликовского была сделана по пьесе Ханоха Левина «На чемоданах», комедии на 8 похорон. В программе «Выезжаем» указано, что режиссер, создавая адаптацию, использовал другие пьесы израильского автора, также включил в произведение текстовые фрагменты «Я никогда сюда не вернусь» Тадеуша Кантора, «Вещи, которые я не бросил» Марчина Виха и «Личной жизни» Хенрика Гринберга. Сцена в постановке похожа на зал ожидания, в котором у каждого героя есть пять минут, чтобы рассказать о своем несчастье. Создается ощущение абсурда человеческой жизни, полной разочарований, попыток уйти от своих корней, искать счастья и удовлетворения вдали от семейного очага. Идея Варликовского – показывать на экране над сценой личные фотографии актеров их юности, в моменты, когда умирают их персонажи, и в их честь зачитываются похоронные речи. Тема смерти переносится на личный уровень актеров.

Театр Новы в первую очередь — это площадка для молодых режиссеров. Только в 2019 году состоялись премьеры спектаклей «Иисус» Й. Пясковского, «Эразм/Эразмус» А. Смоляр, «Кино морального беспокойства» М. Борчуха, «Masakra» П. Саковича, «Последний» Р. Кренжела, «Психоз» Т. Венгожевского. Также театр Новы курирует большое количество программ, музыкальных, танцевальных, делает спектакли для детей, проводит лекции. Здесь проходят различные выставки современного искусства, показы и обсуждения фильмов, литературные беседы, встречи с известными людьми. Это такое противостояние и попытка найти выход из проблем и болевых вопросов, которые Варликовский всегда поднимал в своих спектаклях – для того, чтобы появилось как можно больше людей, свободных от стереотипного мышления.

Гжегож Яжина ставил спектакли в театрах Познани, Вроцлава, Кракова, Вены, Берлина, Москвы, Амстердама, с 1998 года является художественным руководителем «ТР Варшава». Назначение он получил, когда ему было тридцать лет, а впереди ждала еще работа генерального директора театра с 2006 по 2012 гг. В театре Яжина продолжил курс, начатый в свое время П. Чепляком, который старался сделать из театра площадку для реализации современного, экспериментального искусства, приглашал молодых талантливых режиссеров. В их числе оказался и Яжина, в скором времени сменивший Чепляка на посту руководителя. Молодой режиссер звал для работы в театре коллег из разных стран и много ставил сам.

В театре можно увидеть «У нас все хорошо» (2009), постановка по одноименной пьесе современного польского автора Д. Масловской, спектакль, получивший награду им. К. Свинарского – премия, учрежденная в 1976 году журналом «Театр», которую вручают за лучшую режиссуру. Яжина дважды становился ее лауреатом, по несколько раз ее вручали таким мэтрам как К. Люпа, Г. Гжегожевский, А. Вайда, Э. Някрошус и П. Чепляк. Спектакль Яжины – это забавный и трогательный портрет разделенного польского общества, перегруженного тяжестью травматической истории, разрывающейся между национальной гордостью и чувством стыда. Псевдо-художники и медиа-знаменитости встречаются с разочарованной молодежью и рабочими, живущими на грани нищеты. Каждый пытается остаться на поверхности ядовитой смеси финансового благополучия, католического национализма и идеализированного трагического прошлого. Современное поколение польских театральных режиссеров предпочитает поднимать политические, экономические, социальные вопросы. Говоря о проблемах сегодняшнего дня, они стараются включить в произведения широкий исторический контекст, давая понять, что за неблагополучие жизни отвечают многие факторы, но чтобы что-то изменить, надо начать с себя.

Через 10 лет после спектакля «У нас все хорошо» Яжина поставил «Другие люди» (2019) – попытка изобразить Польшу через три десятилетия после смены политического строя страны, историю об обществе, которое продолжает разрываться от предрассудков и ненависти изнутри, где национальная идентичность строится на враждебности по отношению к другим: украинцам, вьетнамцам или геям. Гидом по современной Варшаве выступил 30-летний Камиль — парень из района Варшавы Грохов, лежащий на правом берегу Вислы, вдали от центра, сегодня славящийся веселым нравом своих обитателей, а в 1990-е гг. бандитскими разборками. Герой зарабатывает деньги на продаже наркотиков и мечтает о карьере исполнителя хип-хопа. Вместе с ним зрители отправляются в путешествие вглубь города, где встречаются с различными социальными классами, от знаменитостей до парковочных мойщиков, от арендаторов квартир в центре города до жителей периферийных многоквартирных домов. Это история людей, одержимых видением виртуального счастья, рассказанная на мусорном языке рекламы, онлайн-записей и сообщений в СМИ, блокирующих подлинное общение.

В спектакле Яжины, ставшим знаковым театральным событием десятилетия, «4.48. Психоз» (2002), поставленному по последней пьесе английского драматурга Сары Кейн, медицинские диагнозы соседствуют с признаниями в любви, советы психолога сталкиваются с библейскими пересказами и видениями Бога. Это не запись смерти, а героическая борьба за жизнь, которую героиня ведет перед лицом безразличного мира, давящего своей тяжестью. Яжина показывает ужас человека, который понимает, что сходит с ума от раздирающих его изнутри кошмаров. Когда в конце часового спектакля героиня в исполнении Магдалены Целецкой разбегается и врезается со всей силы в белую стену несколько раз, оставляя кровавые следы, возникает ощущение раздавленного тела. Жизнь победила человека — она его уничтожила. Тема невозможности найти себя, общий язык с другими важная для творчества Яжины и постановок других режиссеров в его театре.

Из спектаклей приглашенных режиссеров в ТР Варшава можно увидеть «Ragazzo dell' Europa» (2007) (отсылка к песне известной итальянской певицы Джанны Наннини о парнишке из Европы, свободном, живущем без ощущения дома и точного понимания, куда идти по жизни), «Джексон Поллеш» (2011) и «Калифорния» (2017) Рене Поллеша, творческая деятельность которого долгие годы связана с берлинским театром Фольксбюне. Двадцать пять лет этим театром руководил Кастроф, а в 2021 году в должность директора должен вступить Поллеш. Режиссер не любит обращаться классике, старается сам создавать текст для своих спектаклей во время репетиций. Он сопоставляет мотивы бульварных пьес и сериалов с современными социальными и политическими теориями. В своих произведениях он критикует межличностные отношения, основанные на моделях потребления и поп-культуры. Его оригинальный театральный язык основан на пародии и самоисследовании. Актеры в его спектаклях не играют роли, они остаются самими собой – исполнителями, задача которых – передать текст. Они импровизируют, демонстрируя свое отношение к искусству и возникающим в нем проблемам.

Режиссер из США Яна Росс, родившаяся в Литве, поставила в ТР Варшава часовой моноспектакль «Концерт по заявкам» (2015) на основе текста немецкого драматурга Франца Ксавьера Крёца. Зритель может наблюдать за жизнью героини, в исполнении Дануты Стенки в реальном времени. Сцена оборудована как квартира-студия без стен, типичное жилье одинокой современной женщины за сорок не только в Польше. Мебель из Икеи расставлена по краям, все на месте, в одном углу аккуратно подключена стиральная машина, в другом можно увидеть унитаз со всеми подведенными сантехническими приспособлениями. Актриса моет посуду в раковине, готовит чай, много курит, работает за ноутбуком. В спектакле нет ни одного слова, минимум движений, но именно через них Стенке удается передать депрессию, невроз, напряженную скуку, ежедневную повторяемость множества пустых действий. Публика становится свидетелем этой бесшумной трагедии одиночества жизни и ухода из нее.

В числе лучших постановок в сезоне 2018–2019 в Польше многие критики назвали спектакль ТР Варшава «Части женщины» венгерского режиссера Корнеля Мундруцо. Несмотря на то, что он считает себя в первую очередь кинорежиссером, Мундруцо также является руководителем будапештского театра Протон. Режиссер ценит театр как честное искусство, где есть возможность создать что-то перед живым зрителем. Мундруцо вынужденно ведет цыганский образ жизни, переезжая из страны в страну и делая там постановки, так как в Венгрии у его театра нет здания, на постоянной основе с ним работают два человека, а выпускать премьеру удается раз в три года. Сложности работы с иностранной труппой и публикой режиссер старается преодолеть при помощи обращения к вопросам, которые волнуют людей в разных уголках мира. Театр для Мундруцо — это то место, где есть возможность проговаривать проблемы, о которых не принято говорить дома. Искусство должно наводить на вопросы, избавляющие от чувства страха: инцест, изнасилование, эвтаназия. Его спектакль в ТР Варшава «Летучая мышь» (2012) был о смерти. Это оперетта, гротеск, в котором произошло смешение трагедии с комиксом. «Части женщины» рассказывает о рождении и о проблемах женщины. Через показ жизни простой польской семьи режиссер ставит вопросы о материнстве, о том, кому принадлежит тело женщины, вправе ли она распоряжаться им, как женщина переживает личные трагедии утраты и старается наладить свою жизнь и общение с родными.

Спектакль делится на две части. В первой пристальное внимание к деталям, которое становится возможным при использовании видео: сосредоточенное лицо героини, дергающиеся мышцы лица, хаотичное скольжение камеры, напоминающее движение глазных яблок наблюдающего — передает напряженную внутреннюю жизнь героини. За разговорами с шутками с мужем нет возможности скрыть переживание. Во второй части показан момент семейной встречи — жанровая сцена, иногда напоминающая ситком. Из обрывков фраз, брошенных членами семьи, зрители, как и главная героиня Майя (Юстина Василевска), которая старается заглушить внутреннюю боль и делать вид, будто в ее жизни не происходила трагедия, будто ребенок не погиб, понимают, что героиня не оправдывает ожидания семьи, а значит в широком смысле – общества, требующего от женщины непрекращающегося показа страданий и мучений от произошедшего.

Революционер и возмутитель общественного мнения Ян Клята, успевший поработать директором одного из самых уважаемых театров Польши – театра Стары в Кракове в 2013–2017 гг., продолжает привлекать внимание критиков к своим работам, вызывая неоднозначные, но всегда сильные чувства. «Короля Лира» (2015, Краков, Стары) можно было увидеть на Театральной олимпиаде в Петербурге в 2019 году. В перенесении места действия пьесы в Ватикан многие критики увидели попытку анализа Кляты проблем католической церкви и борьбы за власть в современном мире при использовании рычагов давления со стороны религиозных сил. К сокращению текста до полутора часов сценического времени, тщательной спроектированности и выверенности каждого фрагмента спектакля со множеством эффектных, но стерильных сцен, построенных таким образом, что игру со смыслами внутри каждой из них может понять только зритель хорошо знающий текст, к созданию атмосферы неверия ни в эмоции, ни в добро, ни в зло, ни в безумие – можно относиться по-разному. Кто-то в спектакле может увидеть четкую структуру и красивую композицию, анализирующую ситуацию в католическом мире, таком важном для одной из самых религиозным стран Европы — Польши. Кто-то может не понять, зачем надо было из Шекспира убирать самое ценное, что в нем есть — текст Шекспира, и не дать возможности выдающимся актерам театра Стары проявить хоть какие-то эмоции и полностью растворить их в конструкции режиссерской мысли.

Один из последних спектаклей Кляты «Троянки» поставлен в 2018 году в театре Выбжеже в Гданьске по двум произведениям Еврипида «Троянки» и «Гекуба». Это политическое зрелище о мести и варварстве, но прежде всего о войне, в которой никто не выигрывает, независимо от исхода. Большие мальчики играют в войну, Одиссей тянет деревянного коня. Время действия разворачивается в тот момент, когда Троя пала. Жертвы принесены, женщины изнасилованы, дети убиты. Греческое общество было не готово принять то, что делали на войне их герои. Для того, чтобы оправдать жестокость придумываются мифы, объясняющие ее начало. Клята считает, что Еврипид написал историю, которая полностью противоречила ожиданиям патриотической пропаганды. Оживить Трою Кляте помогает сценография Марека Качмарека. На сцене толстым слоем насыпан песок. Медленные движения актеров тонут в нем, а черные манекены, похожие на обгоревшие тела, размещенные повсюду, усиливают чувство смерти и разрушения, повсеместно встречающиеся в этой истории. Клята был и остается одним из самых политизированных театральных режиссеров Польши.

Успешно продолжает работать Мая Клечевская, получившая награду им. К. Свинарского в 2018 году за спектакль «Под давлением» (2018, театр Силезский, Катовицы), в котором зрителям предлагается принять участие в съемках фильма. Аудитория одновременно задействована в нескольких параллельных процессах: смотрит на игру актеров на сцене, на создание фильма и одновременно начинает смотреть снятое. Социальную тему успешно продолжает поднимать в своих произведениях творческий дуэт режиссера Моники Стшемпки и драматурга Павла Демирского. В числе одного из самых талантливых молодых режиссеров критики называют Михала Борчуха, в спектаклях которого можно встретиться как с героями произведений Аристофана, Гёте, Уайльда, так и фильмов Альмодовара и Кешлевского. Награду им. Л. Шиллера в 2019 году получил Радослав Стенпень (1993) за спектакль «Смерть коммивояжера» по А. Миллеру (2019, театр Выбжеже, Гданьск). Он несколько лет проходил практику в институте им. Е. Гротовского, в Центре театральных практик Гардженицы, и недавно окончил академию театрального искусства им. Ст. Выспянского. Яркими событиями становятся работы Катажины Кальват, которая была ассистентом К. Люпы на спектакле «Персона Мэрилин» в 2009 году, успевшей поработать в театрах Варшавы, Познани, Кракова, Лодзи. Стоит увидеть спектакли Михала Щегочинского, поставившего около двадцати спектаклей, многие из которых хорошо были приняты критиками и зрителями, а также режиссера, актрисы, сценариста Агнешки Глинской.

Если вам не хватило этой информации о польском театре, то загляните на этот потрясающий ресурс, который делает польский Институт театра.

А если интересуетесь историей, то можно начать с этого.